La spatialisation, le Dolby Atmos et le Spatial Audio

La spatialisation dans la musique

Elle ne date pas d’aujourd’hui. On peut notamment évoquer les chori spezzati (chœurs séparés) de la basilique Saint-Marc de Venise, qui sont une pratique musicale emblématique de la Renaissance et du début du Baroque, particulièrement associée aux compositeurs de l’école vénitienne comme Giovanni Gabrieli, Andrea Gabrieli et, parfois, Claudio Monteverdi.

La basilique Saint-Marc possède une architecture unique avec plusieurs galeries, balcons, tribunes, et une acoustique très réverbérante. Cet espace monumental a inspiré une écriture musicale qui tirait parti de ces particularités architecturales. Les chori spezzati impliquaient la répartition des chanteurs et des instrumentistes en plusieurs groupes, placés dans différents endroits de l’église.

Ces groupes pouvaient se faire écho, dialoguer ou même chanter simultanément en créant un effet sonore enveloppant, exploitant la spatialisation pour produire une expérience immersive. Cette configuration a influencé non seulement la polyphonie, mais aussi la manière dont la musique était perçue dans l’espace.

La question des plans et de l’espace acoustique dans lequel se diffuse la musique était donc déjà en questionnement.

Aujourd’hui

De nos jours, cette dimension s’est enrichie des progrès techniques liés à l’informatique. À partir de haut-parleurs situés dans l’espace, nous pouvons imaginer un espace virtuel, faire se déplacer des sons rapidement et en nombre, en établissant des plans sonores à différents niveaux, recréer des espaces acoustiques avec un travail sur la réverbe, etc..

La question fondamentale de la spatialisation reste pour chaque époque de considérer le geste et le discours musical dans un contexte environnemental dans lequel ils s’insèrent et apparaissent d’une certaine manière.

Les limites actuelles

Le concert in situ avec les conditions nécessaires (couronne homogène, points verticaux, centraux, centre d’écoute relativement homogène pour chaque auditeur, réverbe sèche pour ne pas parasiter l’espace musical) est un luxe qui ne permet pas aujourd’hui de diffuser des œuvres dont la quantité de travail qu’elles ont impliqué mérite un accès large, rapide et plus simple. Les pièces spatialisées se retrouvent de plus souvent diffusées sur des plateformes internet dans une réduction stéréo, qui ne restitue pas fidèlement leur environnement spatial.

Le format binaural est un compromis permettant de placer des sources de façon à reconstituer un espace autour de l’auditeur à travers des procédés de filtrage et de réverbe complexes, mais il est également limité car il ne prend pas en compte la position active de la tête, qui devrait pouvoir se mouvoir librement pour apprécier cet espace (rappelons que, pour percevoir un son dans un espace 3D, nous devons calculer avec nos deux oreilles ; plus les points d’écoute sont variés, plus nous évaluons avec précision les positions des sources sonores).

C’est dans ce contexte que le format Dolby Atmos tire son épingle du jeu.

Le Dolby Atmos

Il s’agit d’un format multicanal, qui permet, par une intégration de sa licence dans divers systèmes de diffusion grand public, une diffusion adaptable d’un flux audio multicanal.

La question d’un produit sous licence est sujette à débat, tout comme l’écosystème Apple pour sa diffusion. Il y a des avantages et des inconvénients. La question qui m’intéresse le plus à l’heure actuelle est l’accessibilité d’une technologie dans le cadre d’une diffusion artistique. Il s’avère que cette solution m’apparaît comme la plus pertinente à l’heure actuelle.

Nous allons maintenant voir de quelle manière cette spatialisation est mise en place dans le processus d’écriture, destiné aux curieux et compositeurs.trices.

Ensuite, nous verrons le mode d’emploi pour écouter de façon optimale, destiné à tous.tes !